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lunes, 9 de enero de 2017
Descendimiento de Van der Weyden
Enlaces que lo comentan:
http://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/8-arte/430-lagrimas-en-el-descendimiento-de-van-der-weyden
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-descendimiento/856d822a-dd22-4425-bebd-920a1d416aa7
https://www.museodelprado.es/actualidad/multimedia/exposicion-rogier-van-der-weyden-h-1399-1464/e142fdb5-7584-43b2-b6fe-46cac1e862bb
Matrimonio Anolfini
En este cuadro aparecen diferentes símbolos: los zuecos de madera indican que los esposos están descalzos, como Moisés cuando tocó tierra sagrada en el Sinaí, lo cual simboliza lo sagrado del acto.
El perrito simboliza la fidelidad conyugal; la borla que cuelga de la cabecera de la cama y el vientre abultado de la mujer aluden a la fertilidad; las frutas sobre la ventana y el arca a la inocencia original.
La única vela que está encendida en pleno día en la lámpara simboliza a Jesucristo, cuya presencia santifica los esponsales.
La cama con dosel es signo inequívoco de que se hallan en la cámara nupcial.
En el espejo se reflejan diez escenas que representan la Pasión y la muerte de Jesucristo. La implicación en los detalles de Van Eyck le llevó a crear una obra llena de simbolismo.
El vestido de moda de la época representaba provocaba una deformación en el cuerpo de la mujer. Por esta razón, se piensa que está embarazada, pero no es el caso.
Volviendo al espejo, se trata de un brujas y se usaba en la época para espantar la mala suerte de los hogares.
El espejo también muestra a dos asistentes a la boda. Un de ellos con características de pintor y que posiblemente se trate de Van Eyck.
La escultura de Santa Margarita que aparece en el pomo de la cama también simboliza la unión matrimonial y la fertilidad.
Los zuecos que hay en el suelo simbolizan el vínculo con el hogar y el posicionamiento de los mismos muestran que la riqueza económica procedente del exterior procede del marido.
Hay muchos símbolos que representan la riqueza como la alfombra junto a la cama.
Los cristales son signos de pureza y el rosario que aparece representa la obligación de ser devotos.
La gárgola que aparece sobre las manos del matrimonio representa una especie de exorcismo que pretende alejar el mal de la pareja ya que Arnolfini era un auténtico mujeriego.
Por esta razón, pisan el suelo descalzos. Para asegurar un futura fertilidad.
El rojo representa la pasión y el verde vuelve a hacer referencia a la obsesión por el linaje. Además, la cama también representa la descendencia y la clase de la que proceden.
Las naranjas en la ventana: son frutas que deben ser importadas desde la Europa del sur. Indican el poderío económico de Arnolfini y a la vez el origen del mismo.
La Anunciación de Simone Martini
La Anunciación entre los santos Ansano y Margarita es un tríptico pintado al temple por el pintor italiano Simone Martini en colaboración con Lippo Memmi. Fue pintado en 1333. La parte central es tres veces más ancha que las laterales: 184 cm de alto por 114 cm de ancho; los compartimentos laterales tienen unas dimensiones de 105 por 48 cada uno. Se exhibe actualmente en la Galleria degli Uffizi en Florencia. Está considerada la obra maestra de Simone Martini y de la escuela sienesa y de la pintura gótica en general. Fue realizado para un altar lateral de la catedral de Siena.
Historia
Una obra de género, de extraordinaria finura lineal, no tiene modelos coetáneos en Italia, pero acaso sí surgen parecidos cuando se compara con los manuscritos miniados por la corte francesa o con las pinturas más fantasiosas producidas en Alemania o en Inglaterra. Esta "manera" norte-europea allanó el camino para el reclutamiento de Simone Martini en el entorno de los pintores italianos en la corte papal de Aviñón, donde estuvieron presentes otros italianos, pero ninguno florentino, en cuando la clásica monumentalidad de la escuela giottesca no encontraba consenso en la sociedad gótica francesa.
La pintura fue encargada para el altar de san Ansano, uno de los protectores de Siena, en la catedral sienesa, donde permaneció hasta el año 1799, cuando el Gran Duque Pedro Leopoldo lo hizo transportar a Florencia, donde fue expuesto el mismo año en los Uffizi.
Descripción
La tabla está compuesta por un gran compartimento central, con la Anunciación, y por dos compartimentos laterales con san Ansano (a la izquierda) y santa Margarita (a la derecha). San Ansano, patrón de Siena, lleva sus atributos: una bandera considerada como la “bandera de la Resurrección” que simboliza la victoria sobre la muerte. También, puesto que murió martirizado, lleva la palma.
Por encima hay cuatro tondos o medallones con profetas que son de izquierda a derecha: Jeremías, Ezequiel, Isaías y Daniel. Isaías porta un rollo con la profecía que aparece en la Biblia.
El panel central
La escena central muestra a mano izquierda el ángel apenas aterrizado, con la capa todavía aleteante en un elegante arabesco y las alas, de una finísima trama de plumas doradas, todavía desplegadas. La Virgen, sentada en un trono de espacialidad incierta, un poco en perspectiva, es sorprendida durante la lectura e instintivamente tiene un gesto de hosquedad, cerrándose la capa con la mano y apretando los hombros, a medio camino entre la asustadiza castidad y la altanera hosquedad. Su expresión, con la boca estrecha y los ojos sutiles, es de extraordinaria gracia aristocrática pero también un poco alterada. Su ropa está compuesta según pasos rítmicos que tienen la fineza de un arabesco y que desmaterializan el cuerpo, devolviéndolo una pura línea decorativa: las piernas están de hecho aplanadas, apenas intuibles por la tendencia nerviosa del borde de la ropa. Los santos, por otro lado, tienen la misma fisonomía, debida al uso de modelos de carta para obtener la forma de las figuras, sin ningún interés en la representación individual.
El ángel Gabriel aparece en la parte izquierda del panel central. De su boca salen las palabras doradas, que aparecen en el Evangelio de San Lucas: Ave Maria, gratia plena, Dominus tecum, como un auténtico antepasado de los tebeos. Lleva en la mano una rama de olivo. En el borde de su túnica aparecen bordadas otras palabras. Completa la escena un pavimento de mármol moteado (espacialmente incoherente con el de los paneles laterales) sobre el que en el centro se encuentra una preciosa jarra dorada con algunos lirios, flor mariana símbolo de pureza y virginidad; en lo alto se encuentra la paloma del Espíritu Santo rodeada por cabecitas de querubines alrededor. El fondo es una deslumbrante extensión de oro, que da a la escena una apariencia abstracta pero también extraordinariamente espiritual. Todo queda aún más en evidencia principalmente por los dorados de los vestidos y de otros detalles, según algunas técnicas que parece que Simone hubiera inventado justo para esta obra. Esencialmente se trata de pintar sobre la hoja de oro, sea extendiendo caligráficamente el color y con veladuras para dejar a la vista el oro de abajo, el "palliatura", visible en las alas del ángel, sea arañando sucesivamente el color para crear motivos adamascados, como en el vestido del ángel. A ello debe añadirse el rico punzonado, la elaboración con el buril y con el cincel de detalles como las aureolas o los bordes de los vestidos, que crean una superficie pictórica extremadamente preciosa y de calidad altísima. El uso de las veladuras fue una característica básica de la dulzura de la pintura de Simone Martini, que en su entono de Aviñón si difundió haciendo de premisa para la gran pintura norteña del siglo XV y la técnica del óleo.
viernes, 30 de diciembre de 2016
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